公演の詳細については下記をご参照ください。

https://www.geigeki.jp/performance/theater134/

（ここからネタばれがあります。ご留意ください）

黙々と男優たちが装置を押して変化させていく時間に描かれるものの質量と遷移のめまぐるしさを感じる。その中でROMEOを演じる青柳いづみがきっと男優が演じることでは引き出しえないであろう大人と子供の端境にある十代前半の未熟で短慮な印象の強さをロールに差し入れ、JULIETを担う川崎ゆり子がその年代ならではの選択肢を知らない視野狭窄とすら思える純粋で一途な思いを抱いた女性を瑞々しく演じる。役者たちが登場人物の様々な一瞬を舞台に立ち上げ、５日間の顛末は進み、戻り、塗り重なり、広がり、更にリフレインし、観る側のコアに刻まれていた同じ年代を過ごした記憶の縛めを解く。
気が付けば視座は物語の外に歩み出し、戯曲とそれを受け取るものの表裏は逆転し、悲劇は時系列ではなく、二人の死にまつわる記憶の断片が波紋のように広がり物語全体の共振とともに蘇るその歩みに沿うがごとくに舞台に満ちていきます。

舞台全体のさらし方もその中でのミザンスの作り方も、重さが空間の確かさを作りつつしなやかに変化していく装置にしても、様々に観る側の無意識に抱くものを浮かび上がらせる音たちにしても、役者たちの醸すキャラクターの質感にしても、直接シェークスピアが企てた歯車のかみ合わない悲劇が歩みを進める面白さに収斂するわけではないのです。作り手はそれらをすでに既知のこととして、シェークスピアの物語の記憶が観る側に解け心に満ちていくありようを捉え、下世話に言ってしまえば中二病の主人公たちの稚拙さと丸まらない感性の中での様々な刹那の悦びや苦さややるせなさや行き場のなさに普遍を与え、観る側が抱くものを削ぎ出し、観る側がもうずっと触れることすらなかった鍵を回す。舞台に紡がれた様々な力にその半ば錆びついた扉がきしむこともなく開き、観る側を引き込んでしまう。

ラストシーンで舞台自身が物語の時間への俯瞰を語ったとき、舞台に紡がれたものは観る側の記憶を借景にした物語として組み上がり、もはや齢を重ね半ば埋もれてしまった鈍色の時間ではいられず、心に去来することを止められない、でも決して手の届くことのない日々への感慨となっていました。

作り手だからこその戯曲への対峙の仕方や創意に驚嘆しつつ、シェークスピアの世界の向こうで開かれた遥か昔の時間への距離感の滅失と混沌に心を奪われ、それを眺める自らの今の立ち位置にもほろ苦く想いを馳せたことでした。

６劇団の１５分だからこその表現を堪能しました。

公演の詳細については、以下のリンクをご参照ください。

http://www.mrsfictions.com/next_15mm15.html

(ここからネタバレがあります。ご留意ください。）

ストーリーに際立って明確な流れや起承転結感があるわけではないのだけれど、場ごとに感覚がすっと立ち上がりとりこまれてしまう。ただ英語へのコンプレックスということではなく、観る側の英語を学んだ実体験の尻尾に、舞台上の出来事を観る側のあるある感覚が共振していく。
とてもルーズなシチュエーションなのだけれど、驚くほどビビッドに観る側の視座が組まれ。ちょっと苦笑系の共感がうまれ、引き込まれる。それらの訪れは演劇の速度よりはダンスなどのスピードにも思える。越寛生の作劇に、凡庸の着ぐるみを纏ったぞくっとくるような語り口の先鋭を感じました。

主人公を演じた佐藤蕗子にも西村寛子のネイティブ教師にもウィットを持ちつつぶれないキャラクターの確かさがあったし、浅見臣樹、中村あずさといった役者達がくっきりとしたキャラクターの造詣をしていたことも作品から訪れるものを際立たせていた。國吉咲貴の演じる力加減や間の取方がもう絶品で、でも訪れるものにデフォルメではなくそのようなキャラクターの存在のリアリティをより強く感じることにも舌を巻きました。

＊Mrs.fictions『天使なんかじゃないもんで』

この作品は２０１１年１１月の初演も観ていて、その時は時間がもっとずっと曖昧なままでゆっくりと状況が解け、個々のキャラクターもとらえどころがないゆえに観る側の心に刻まれていったような記憶がありました。。
それに比べて今回は物語の構造がはっきりと舞台におかれ、役者達其々の手練が互いに個々のキャラクターを解き放つ企てを際立たせている印象が残りました。

正直に言うと、今回の舞台では、初演時に心を捉われた、舞台に満ちた祈りの対象すら定まらない混沌がかなり形骸化してしまった気がする。
でも、その一方で、あの日々から時が流れ様々なものが歩み定まってきたことから生まれる物語の感触がしっかりと編まれていたようにも思う。いろんな曖昧さや生々しさへの風化があっての２０１６年から見たエピソードから浮かび上がるものへの感覚が忠実に舞台を満たしているように感じられました。
印象の異なりは初演時の山口オンと今回の神戸アキコが、あばずれ（？）なキャラクターのイノセントな部分をどんな演技の引出しで演じるかの選択の結果なのでしょうけれど、女優達がこの物語を演じるに際して選んだ語り口は、それぞれの今の価値観や世相のありようへの実直な対応であったとも思うのです。

役者達の力に魅了されつつ、よい戯曲は演じられる時に染められると、その中で新たな色を滲ませていくのだなぁ感心したことでした。

（初演時の上演記録はこちらをご参照ください

http://alotf.com/nipponnomondai/contents.html）

＊Mizhen　『ともちゃんの、メモ』

３人芝居。ひとりずつのキャラクターからこぼれるものが次第に切っ先となりつつ伝わってきて、でもそれらが交わるなかで、ただ尖るだけでもキャラクターを一色に染めるだけでもない温度が醸し出される。佐藤幸子が丁寧に主人公の視座から紡ぐイノセンスにしても、辻響平からゆっくりと滲みだすしんじのともこをうとましく思う気持ちにしても、白井珠希が繊細に立ち位置を作りながら差し入れるひかりの心情も、それぞれに観る側に割り切れないものを与え、彼らのひとりずつの肌触りではない、其々の視座からは定め得ない空気を舞台に編み上げていく。

３人が演じるものには、常に想いの表裏が柔らかく透けて見える。それぞれの視座からフレームアウトしていたようなはみ出し感覚が、舞台を観る側にとってのビターでやがて良い話に丸めず、精緻な実感にあゆませていきます。円を使っての表現もしたたか。

観終わって、三人のそれでも重なり合わない視座の交点に浮かび上がったものに、ほっとした気持ちとタフな重さが残る。そのタフさを抱えたまま振り返る物語にはっと息を呑むような日常の時間への気付きがあり心を捉われました。

＊feblabo『卒業日和』

物語の設定も展開も、どこか戯画的でステレオタイプな感じがする。でも、舞台には、観る側をその世界に繋ぎ見せきるだけのベタさやパワーがあって、１５分を笑い楽しんでしまいました。保健教師役の信原久美子や女生徒役の篠田千尋が演じるそれぞれの女性には男性から見た女性へのデフォルメが内包されていて、それが野澤太郎、ニュームラマツ、富田傭平が演じるステレオタイプな思春期の男子生徒との距離の可笑しさをくっきりと描き出していく。

女性どおしでのＨネタも馬鹿馬鹿しさを担保しつつ観る側をいい感じで当惑させるに十分な創意があって、とても心地よく失笑できる。むしろわかりやすいからこその好き嫌いは出る作品なのかもしれませんが、私は素直に楽しんでしまいました。

２６日（池田智哉）と３０日（塩原俊之）で用務員役の印象もかなり違っていてそれも興味深かった。池田はよりステレオタイプに物語を前に押し、塩原は保健教師との関係のダメダメさをより切り出していて、けっこう舞台のテイストが違っていたことも興味深かったです。もう一人の用務員役（目崎剛）を観ることが出来なかったことがとても残念に思われました。

＊トリコロールケーキ『このまま』

２６日を観終わった時点では、何を表現しているのかが今一つピンと来ませんでした。３０日も含めて観た回は川島彩香、後藤のどか、今田健太郎、香西佳奈の４人での上演でしたでしたが、それぞれのキャラクターの個性はきっちり伝わってくるのに舞台全体の印象の中に埋もれてしまっている。

音の強かな差し入れ方もあって包丁を研ぐというルーティンが柱として強く刻まれ、エピソードたちがその間を埋めていく感じがなにかとても身近な感覚として心にのこる。無意識の領域で何かが舞台と共振して、すごく面白がっていて、でもそれが具体的に形として意識に浮かび上がってこない感じ。

しかし、初見の翌日会社にいって、日々の仕事や会社の行事連絡をメールで確認していくうちに、そのリズムが包丁を研ぐシーンと重なって、うわぁと解けました。あ、これだと思う。会社で仕事をしている感覚が、包丁を研ぐことも、その研ぎ方に共通性と行う人の個性が混在していることも含めて舞台上の感覚と鮮やかにリンクする。サプライズの遊び心があったりそれが仕事と切り離されていないあたりも、よくできているなぁと思う。きっと、この感覚って、どの仕事でも共通のものなのだろうなぁとも思う。

３０日に再見したときには、演じられる速度や間や、シーンの差し入れられ方が、一つずつ自分が少している時間と共振して、とんでもなく面白く、また心を掴まれたことでした

 。

＊劇団競泳水着『彼女が旅に出た理由』

長編として準備中の物語の、１５分凝縮バージョンということで、その枠組みに様々なエピソードが差し入れられる予感にも惹かれつつ、物語の枠組を作る役者達の演技の様々なしなやかさにも強く惹かれました。
秀一郎役を演じた市原文太郎や優役を演じた鳥こぼし・太田旭紀（ダブルキャスト）のお芝居も実直に舞台を支えていて好感が持てましたが、何より三世代の女性を演じた役者たちから訪れる人物の彩にがっつりと取り込まれる。

「ある宿命を背負った」女性、由希子を演じた佐藤睦には本当に繊細な表現のニュアンスの出し入れがあって、設定されたとても若く見える老女という矛盾したキャラクターを観る側に受け入れさせてしまう。台詞の観る側の意識を潜り抜けて感覚を揺らすような強弱やアクセントの異なり、表情の貫きと変化、舞台上での存在の強弱のしたたかさ、それらがとても自然に組み合わさって観る側に彼女の設定や存在を受け入れさせてしまう。

由希子の孫娘にあたるあみは平体まひろ（２６日）と古澤美樹（３０日）のダブルキャストでしたが、それぞれから訪れるものに真逆の感触があって、舞台が異なる色に染められていきます。平体まひろには表層の曖昧さを入り口にして演じるものの心情を内に編み上げ観る側に俯瞰させるような独特の力があって、キャラクターの抱くものに積み上がりの軋みがなく、しなやかなひとまとまりの感覚として供されていく。そうして訪れたものにはキャラクターの感覚や思慮の束ねがあって観る側の感覚が散らないのです。一方の古澤美樹は表現の解像度が観る側が刹那に受け取りうるものを超えて高く、視野からさらに踏み出したところにまでディテールがあるような気がする、それが、舞台をクリアに感じさせ、観る側にとって描かれた世界の立体感になっていく。ハイレゾの音を聴いているような感じ。戯曲に描かれているであろうことだけではなく彼女の演技によって観る側が受け取る新たな領域があるのです。
どちらの女優も力むことなくさりげない力加減でのお芝居なのですが、その個性が佐藤睦の演技から生まれるものにへたらず、むしろ佐藤の演技から訪れるものに異なって更なる感触を与えていく。

二人の母である法子を演じた小林春世にはそれらの表現をしっかりと物語の囲いの中に留め、祖母と娘の芝居を揺らぐことなく物語に収める、観る側が委ねうる安定感がありました

この１５分間を種子として描き広げられていく世界がどのようなものなのか、実に楽しみになりました。

公演の詳細については以下のリンクをご参照ください。

http://tokyo-metropolitan-festival.jp/program/542/

当日配布された資料をそのまま引用

「この上演会は、日本、マレーシア、中国の演出家を中心にした３つのチームが「化粧」という共通テーマで捜索した小作品の上演と、演出家によるアフタートークを交互におこないます。」

実際の作品を観て、あっと驚くというような斬新さはなかったのですが、むしろそうだからこそ、日本人というか日本の舞台に慣れ親しんでいる観客にとって、構えることなく自然体に新たな広がりや豊かさを感じることが出来た3作品だったように思います。

（ここからネタばれがあります。ご留意ください）

＊＊＊　＊＊＊

［ａ］

３名の出演者が舞台後］方に映し出される「ａ」を頭文字にした単語と身体表現をすこしずつ変化させ重ねていく。その言葉の繋がりがＡｐｐｌｅとかの単純なものから始まってルーズに繫がり枠を超え踏み出していくのだけれど、その発想やどこか変則ドミノのような広がりの感触が、なにか日本人の発想と微妙に異なって感じられて、最初は少しとまどい、やがてじわじわと面白くなっていく。身体の使い方や、発想を次につなげるポイントや間が、それぞれの演者にとってはとてもオーソドックスに演じられているように思えて、でも3人のズレや重なりがどこか常ならなくて、終ってみれば、冒頭の「ａ」という滴からの波紋の広がりのような印象がのこる。その広がりに観る側の記憶の手垢のついていない新しい肌触りを感じた。

［ｅｎＴＲＡＮＣＥＤ］

冒頭、チベットの修行僧のような所作で横並びに出てきた演者たちを観た時には、寡黙な舞台かなと思ったのだけれど、とんでもない。演者たちの身体が、馴染みをもった身体の動きとどこか見慣れない身体の言葉を舞台上に混在させながら刹那を紡いでいく。やがてガムラン音楽を想起させるような身体の動かし方などが現出しするあたりから目が釘付けになった。なんだろ、動きに音の質感が編まれ、身体からリズムや旋律すらあふれ出し、組み上がる。携えている異なる身体の言語が時にバラけ、にもかかわらず同じベクトルに束ねられる。突飛さを感じることはなく、身体のバランスが時にクラシックバレエのような共通の身体の使い方に担保され、にもかかわらず音楽に身体を編みこんでいくのと真逆のベクトルで身体から発するものがリズムやメロディを編みさらにパワーを与えられ観る側を凌駕するに至る。いくつもの一瞬が観る側の掌からこぼれることなく、でもこれまでに体験したことのない新たな伝わり方で観る側の新たな引き出しを引いてくれる。観終わって更なるものが紡がれるための助走を見るような不思議な高揚感が残った。

［Ｋｉｓｓ　Ｋｉｓｓ　Ｂａｎｇ　Ｂａｎｇ　2.0 (a work-in-progress)］

人の距離やコミュニケーションの形態が、キスに置き替えられて舞台に描かれていく。最初はシンプルに、少しずつシチュエーションをつくって作り手の描くものから観る側に様々に想起させていく。キスを受入れるだけではなく拒否するというところから、疎外や差別の感覚が渡されたり、観客とのコミュニケーションをはかったり犬との関係を舞台にというあたりから、ステレオタイプな舞台上の関係性が、舫いを放たれキスということから垣間見える世界がどんどん膨らんでいく。キスをキーにしてあたかも言葉のように様々なニュアンスを紡いでいくその広がりが観る側の予想を素敵に超え、踏み出し、時には裏切っていくなかで、作り手や演じる役者達の個性が次第に舞台上に滲み出してくるのも観ていて楽しかった。

＊＊＊　＊＊＊

３編はそれぞれにまったく異なるメソッドやテイストの表現だし、観る側も異なる筋肉を使って鑑賞しているような部分がありましたが、そうであっても、それぞれの表現に共通してのこれまでに体験したことのない新たな感触が訪れることに心を捉われる。
なんのこっちゃと思われるかもですが、お正月のお雑煮に三つ葉と一緒に香菜が入ったみたいな感じがあって、おもしろかった。
なにか、この創作たちの延長線上に、観る側が未体験の新たなスパイスを体験するような、其々の作り手や演じ手の新しい表現が芽生える予感もしたことでした。

会場は

西荻窪　Atelier Kanon

公演詳細については以下のリンク先をご参照ください。

https://note.mu/rickytickyasu/n/ne264b66ffa02

用意された10作の作品（男女5作品ずつ）を一回の公演で3作品ずつ上演していく企画、3作それぞれに息を呑み、他の作品を観ることができないことが実に残念に思えました。

（ここからネタばれがあります。ご留意ください。）

＊＊＊　＊＊＊

「それでも私は踊る」

題材：イサドラ・ダンカン
主演：福麻むつ美
脚本：村本篤信

役者がステージ衣装を晒し背中をみせたとき、その背筋にこの人はダンサーだと思った。印象は裏切られることなく、空間は彼女の身体と歌唱のパワーに満たされていく。華のある舞台、一瞬の切れ、舞台にとりこまれ、でも、気がつけば、それは一人のダンサーの生き様に重なり、生きることとのユニゾンとなり、やがて彼女自身に心を捉えられていく。終演時には、高揚の中にステージの時間の輝きから垣間見えるバックステージの彼女の生きる素顔がともに深く刻まれていた。

「生殺しの蛇」

題材：ジュディー・シル
出演：ハマカワフミエ
脚本：黒澤たける

美術に観る側を絡めとる創意があって、舞台中央に垂らされていくものが蛇の寓意と寄り合わされ女優が描くものに具象とその先の時間の実存感や奥行きを与える。女性の様々なテンションや内に抱えたものや感情の色、役者には、それを様々な時間のありように連ねるだけではなく、女性の表裏や移ろいとして観る側までをその心風景に取り込む力があり、それらが満ち溢れ出すような彼女の歌が幾つもの光景や心情の立体感の先にあることにも強く繋がれる。
終演時にはまったく異なるいくつかの印象をひとつに纏った女性の姿が、とても生々しく、ビビッドに思えた。

「piano black」

　題材：バルバラ

　主演：岡田あがさ

　脚本：須貝英（monophonic orchestra）

描かれるのはひとつの夜に流れる時、そこに彼女の人生が浮かび上がる。女性の風貌に捉われ、その歌に心を奪われ、彼女の言葉に刹那の彼女が抱くものを受け取りつつ、でも訪れるものはそこに閉塞せず、彼女の記憶の俯瞰として観る側に残る。演じるものの存在感に追い込まれながらも、それがただ熱となって観る側を焼くのではなく、むしろその奥の醒めたベルベットのような虚無とともに彼女の時間となることに閉じ込められる。終演時には解像度を持った深く、でも塗りつぶされることのない彼女の記憶の質感に浸されていた。

＊＊＊　＊＊＊

一つずつの作品に異なって心を染められがっつりと満たされていたし、ミュージカルを観た後の充足感も目一杯あった。更に細かい精度が欲しい部分も皆無ではなかったのですが、そんなものはたやすくすっ飛んでしまい、もう大満足でした。
でも、そのこととは別に、一人芝居ミュージカルというのは、いわゆるミュージカルとは似て非なるものだとも思いました。

なんだろ、音楽と物語の関係がミュージカルと今回の作品達では真逆、ミュージカルは歌で物語を編み世界を膨らませて行くのに対して、一人芝居ミュージカルでは物語が役者によって紡がれその世界が歌に結実していく。そこには歌の印象から、もしくは歌の印象に至るまでに、役者たちの手練によってミュージカルとは異なった描かれるものの切っ先を違和感なく差し入れるスペースがあって、歌や音楽（ダンスなども）に明確な意図やニュアンスを与え、歌の隙間にある滲みや曖昧さをキレイに取り去る。ミュージカルとしての広がりや時としてエンターティメント性なども担保しながら、一方で描かれる世界は役者達が紡ぐ言葉や空気の解像度で音楽をとりこみ、描かれる時間を研ぎ、言葉だけでは語りえない登場人物の心風景に観る側を閉じ込めてしまうのです。観ていて、それぞれの歌の力に取り込まれつつ、そこに至るまでに役者達によって描かれたものを塗りつぶすのではなく、照らし出し、際立たせ、映えさせることにぞくぞくした。でも、それは、いわゆるミュージカルに現れるものとは異質のものに感じられ、新しい領域の表現とも思えた。

繰り返しになりますが、上演された他の作品を観ることができなかったのがかえすがえすも無念。作品の再演や続編があれば、それはもう是非に観たいと思いました。

公演内容については下記をご参照ください。（リンクの貼り付けに問題があるようでしたらご連絡ください）

http://dokyuseiengekibu.strikingly.com/#_5

 
（ここから先にはネタバレがあります。ご留意ください）

物語の骨格にしても展開にしても、全ての出来事が描かれたりディテールまでが深く語られているわけではない。ただ、舞台で役者達が語り演じることから観る側が想起する光景があり、視座が単に舞台に描かれるものから一歩展開の内側に引き込まれ、そのことでのキャラクターの想いへの共振が生まれ、物語の歩みが場の内でキャラクターが抱くものとして観る側に広がっていきます。観客自身には本来あまりなじみのない中盤から終盤にかけての登場人物それぞれの感情が、ことわりや納得などを追い越して直感的に、あたかも観る側が抱くものの如くに観る側を染めていく。

２日に観た時には、それでも、台詞を元に役者達の描くものに繋がれ、足場にして、物語の膨らみを受け取りとりこまれていたように思います。しかし、楽日では、もちろん戯曲の顛末を知っているということはあるのですが、なんだろ、役者達の醸す色や温度の異なりに身を委ねるようにして、登場人物の視座からの物語の展開に人物が見たものや自らの感情が同化しているような感覚すらありました。

須貝英のこれまでの作品でも（作るにしても自らが演じるにしても）、観る側を物語に対峙させ渡すというよりは、物語に仕込まれた視座に観る側を導いて共に歩ませるような感覚に捉われていたのですが、今回はそこに佐藤みゆきや浅野千鶴という同年代（同級生）でありつつ違った質感での表現の深さを持つ女優の人物造詣が差し込まれ、世界が一層の厚みをもって研がれていたように感じたことでした。

作品は再演、２０１１年７月の初演も観ています。

 公演の詳細については以下のリンクをご参照ください。

 http://stage.corich.jp/stage_detail.php?stage_id=77553

（ここからネタばれがあります。ご留意ください）

http://riichiro.air-nifty.com/rclub_annex/2011/08/post-5438.html

場内に足を踏み入れると、舞台に設えられた街の風景に吸い込まれそうになりました。舞台の間口は初演時よりむしろ狭くなったそうだけれど、空間には初演時とは異なる密度と広がりを感じる。客席の最上段で暫く足が止まる。

開演前の舞台、街灯の下には娼婦が立つ。食堂のマスターが外の椅子にすわる。猫が眠る。どこかオールドファッションにも思える甘くて切ない音楽に満たされた場内、開演までの時間に染められて、動き出す舞台上の時間に導かれます。

物語の設定やエピソードから訪れる空気や顛末は初演時の記憶と変わっていなかった。

自分の感想（初演時）の引用で心苦しいのですが、

「舞台上に重なった時間たち。

 希望や夢ばかりではなく、

 時には冗長であったり

 にび色に過ぎていったり

 苦悩のなかにあったり

 心に反して折り合いをつけなければならなかった時間たち。

 それぞれの紡いだ時間は色も形も触感も違うけれど、

 たくさんの生きていく時間に編み上がった街の風情があって、

 観る側すらもその街に閉じ込めてしまうのです。

 その先には、うまく言葉にできないのですが、

 ビビッドな質感を持った人が暮らし生きることの俯瞰があって。」

 同じ感慨が今回の舞台からもしなやかに訪れ、観終わっても暫くはその世界が解けることなく残りました。ただ、初演では描かれるいくつかの時代がやがてそれぞれの風景として作品の印象に収束していったのに対して、今回の舞台はひとつずつの時代に描かれるものにその中での時間の歩みが入れ子のように編まれ繋がっていくことでのクリアさと強さが内包されていました。

それはたとえば食堂の母と長女の言葉のリズムが観る側の無意識にずれなく重ねられ血や育ちを感じさせることであったり、先輩ダンサーの奔放な身体の動きとその名を継ぐ後輩ダンサーの動きに残るかすかな躊躇いの重なりに浮かび上がる先輩が歩み後輩が歩む時間の質量だったりもするのですが、それらは戯曲の筋立てや台詞だけではなく、役者達が編み醸すものから体感的に訪れ、エピソードの流れやひとつずつの刹那に更なる立体的な実存感を紡いでいきます。
そうして心に残るものが場内に流れた甘くビターな開演前の音楽に溶けていくだけではなく物語にその時代の更なる今を刻み観る側に繋ぎ揺らしてくれるのです。

観終わって初演時に訪れたごとくの感慨に再び深く浸され、でも役者や作り手によって戯曲に語られることの新たな広がりを感じた再演の舞台でした。

公演情報についてはこちらをご参照ください。（リンクの貼り付けに問題があるようでしたらご一報ください）

http://usagistripe.com/minna

（ここからネタばれがあります。ご留意ください）

現実と重なりつつ次第に乖離していく様々なこと、腕を切られることの繫がりやコンビニ店員の二面性、羊の擬人化、外の世界を支配している狂気など、どこかルーズに繋がるいくつもの色の糸が差し込まれ、交わり、それぞれの更なる踏み出しとなる。

それが、ハロウィンの、クリスマスやイースターなどとは異なる歯止めをなくした悪戯な箍の外れ方として観る側までを巻き込んでいくことを、最初は訳もわからず可笑しく眺めていたが、そこに女性達のどこか行き場を失った現実が透けて見えだしてからは、この語り口だからこそ描き得る女性たちひとりずつの漫然とした閉塞の実存感に引き込まれる。タイトルの「みんなしねばいいのに」という言葉が、なにかへの売り言葉から冗談に一つまみの実感のこもった感覚に変容するころには、作り手の企みに、しっかりと女性たちの抱く感覚を渡されていたことに気づく。音楽や照明、音響などもその世界に観る側を浸し巻き込んでしまうよい仕事であったと思う。

一人ずつの女性の風貌を芯に描き込む女優たち（小瀧万梨子　緑川史絵　長野 海）の力量に加えて時に女性の視座からのバイアスのかかった態での男優（亀山浩史　芝 博文）の人物の作り方も良く研がれていた。また、彼らが描き出す世界にありつつ、染まらず、淡々と距離を保ちながらゆうれいを演じた立蔵葉子も好演だった。

公演詳細は以下のＵＲＬをclick

http://pocopoco-club.com/new-stage/

（ここからネタバレがあります。ご留意ください）

照明に力があった。舞台の要素を時には括り、あるいは一つずつの要素ごとを映えさせていくような感じ。冒頭から舞台美術にも惹かれる。

物語もきちんと通っていたし、時間の行き来も観る側を見失わせることなく、描かれるものの骨格もまっすぐに受取ることができた。

ただ、観終わって、物語の内容に比べてとても淡々とした印象が残る。ラストシーンのなげっぱ感には本来もっと強いインパクトを醸す意図がある気がするのだが、終演時の印象は面白いくらいすっと滅失する。

今と過去の因果はしっかりと紡がれていたのだが、シーンのボリュームバランスがやや歪んでいるようにも思うし、トーンもまったく異なる。繋ぐ色や物語を解くための歯車的なものも脆弱に感じられる。一つずつのシーンには観る側を繋ぎとめるものがあるのだが、それが全体像に踏み出す時（すなわちラストのショット）に物語の切っ先というかフォーカスが作品全体からの統一した色調で訪れない。

これって初日だからたまたまなのか、実は作り手が恣意的に作り出している感覚なのかよくわからないのだが、少なくとも初日は観ていて舞台の印象がひとつにまとまらずにやや拡散したままで残った。

余談だが、主人公的なロールを演じた磯部莉菜子が抱くものやなにかの欠落した感覚の作り方には非凡さを感じた。

公演の詳細が記載されたもののリンクを張りつけます。（問題等あるようでしたらご一報ください）

http://stage.corich.jp/stage_detail.php?stage_id=77231

（ここから先にはネタバレがあります。ご留意ください）

物語の全容が観る側に伝わるまでの時間配分がとても良い感じで、それが観る側に３つ時代の繋がりをバランスよく渡してくれる。ひとつずつの時代に描かれるものは、それほど複雑な背景を持っているわけではないのだが、その中に、時に台詞で、あるいはシチュエーションの先で観客の想像力から引き出すような掛かりが仕込まれていて、次第に前のめりになってその顛末を追うようになった。

なんだろ、キャラクターそれぞれの風貌や設定の解き方がとりたてて濃ゆいわけではなのだが、役者達がそれぞれが抱くコアのようなものをきちんと観る側に渡していて、シーンごとに描かれるものがそれほどディテールをもったものではなくても、時間ごとの今としての膨らみがきちんと観る側に残る。それは派手さやあからさまさをもった企みではないのだが、でも、着実に目の前のバーカウンターに重なっていった日々に実存感を刻む語り口の確かさがあり、気が付けばそれぞれの時代とその見えない繫がりに心を奪われていく。

役者達には、徒に全体の流れに捉われず、その時間の質感を大切に描いていくスタンスを感じ、そのことが物語を混濁させず、終盤にクリアな場所に流れた時間の俯瞰を生み出す力になっていたように思えた。

ラストのワンシーンが上手いなぁ、ジグゾーパズルの最後に残ったピースが吸い込まれるようにはまるような心地よさと、バー全体に刻まれたたくさんの時間がやさしく解き放たれるような感触が残った。

一番の理由は、ぶっちゃけて言ってしまうとＳＭＳ（ツイッター）の方が速いし楽だから。
でも、ツイッターはツイッターでいろいろと制約があって（一番大きいのは文字数制限）、ついつい表現がツイッター言葉になってしまったりもするので、もう少ししっかり書きたいことは、再度こちらに記録を残すことにしました。

但し：

・公演や出演者等の情報については、こういうご時世でもありますので、リンクを張れるものは張って、直接の記入は省略するようにします
・こちらは、長く書こうと思えば物理的には可能なのですが、それはそれで必ずしも時代にはマッチしていない気もするので、芝居を観た印象だけちょこちょこっと記載するものが多くなるかと思います。

以上、ちょっと模様替えのご挨拶でありました。